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We have a wonderful theatre producer, Mannie Manim, and it will be played in Bloemfontein on the 13th and 14th of October this year, and the Carnegie Hall performance will be the 28th of October. What about the future?

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Es war klar, dass es nur eine Frage der Zeit sein würde, bis er das bekam. Denn er hat immer alles bekommen, was er wollte. Daniel Hope wurde am August in Durban, Südafrika, geboren. Bald schon zog seine Familie nach Paris, dann nach London. Dort arbeitete seine Mutter bei Yehudi Menuhin. Der vierjährige Sohn begann, Violine zu spielen, und wurde später von Yehudi Menuhin unterrichtet.

August erscheint sein neues Album: From bestselling albums and intoxicating live performances, to books, films and charitable projects, Daniel Hope is so much more than a violinist.

Brahms is so much more than a magnificent beard, or that lullaby…. It was quite a while ago; it was with Paul Watkins and Philip Dukes, we did a Theresienstadt programme.

This was probably twelve years ago… at least. What can you tell us about this long awaited next visit? He was somebody that, in so many ways, defined what the violin meant. Firstly he taught over five hundred students, he created the Royal Conservatory in Berlin; he famously introduced the young Brahms to the Schumann family and he was the one who rediscovered the Beethoven Violin Concerto.

So the concert looks at all these different influences; it looks at his composition, it looks at pieces that were written for him and it looks at his friends, so Mendelssohn, Brahms, Edvard Grieg…. Is Joachim overlooked or forgotten? There was a time where everybody knew Joachim, but times have changed and his style of playing, his way of doing things I think fell out of fashion at the beginning of the twentieth century — even though he was the first violinist to actually record.

So he was actually pretty advanced, but he belonged to the old guard and he was superseded by glittering violinists like Jascha Heifetz, Yehudi Menuhin, Mischa Elman… It became more about the personality and the brilliance and the perfection, and less about the communication and the feeling of the music. So I think it was just time that took its toll on his name really.

And yet there are so many hundreds of pieces that we have because of him, thanks to him. And this concert is of course part of a five night celebration of Brahms… Is he a composer you enjoy performing? And, you know, Joachim was — for the most part of his life — his closest musical friend and they broke, split, and then at the end of their lives got back together and the present he gave Joachim was the Double Concerto.

I mean what a present! So Joachim really accompanied his whole life and when Brahms thought of the violin, he was thinking of Joachim. Do you think that Brahms is underestimated as a composer?

Ha, that Beerhouse composer?! He was such a perfectionist; it was once said that he threw a number of his works into the fire, apparently another four of five violin sonatas, cello sonatas, all the rest of it… he was never happy. We devise these programmes ourselves, we sit down and work out what we want to do and how we want to do it. Particularly for Brahms you need to have a fine pianist, because these sonatas really the emphasis is on the piano; Brahms was a master pianist himself and so the piano in a sense controls the pieces.

So you need to have somebody who has weight and who has real knowledge and also an empathy to it. Can it inspire you? A lot, I mean where do you start? While Daniel Hope was recently on a short visit to Cape Town, Lore Watterson caught up with this multifaceted artist and talked to him about the many different projects he is involved with, including A Distant Drum, which he is preparing together with his father the South African author Christopher Hope.

This portrays the musical history of a dark time for South Africa, but one lit by defiance, music, wit and style. You are celebrated in the media as a British violinist, looking at your history, how do you see yourself? I see myself as European. But I spend so little time here, you know we left when I was a baby, I grew up in England so I sound English and I went to school there, so my earliest influences and musical abilities are all associated with London.

When I was 18 or 19 I went to Lübeck to study, and then to Hamburg. I love travelling, I love coming back here and I love travelling to other places but my old soul is Europe. You have published books in German about a Jewish family living in Germany. Yes, it was a very strong Jewish family going back to the 15th century in Potsdam and Berlin, and they converted to Christianity in the 19th century, as many did, and were fiercely patriotic Germans until the Nuremburg Gazette where they were no longer Germans.

As a result they lost everything and had to flee, so most of them came to South Africa, some to America, but my grandmother came here. It took me on a journey to discover more of my Jewish roots and they go back so far, back to the first rabbi of Potsdam. Absolutely, and the music of course: The whole idea of children singing with their mothers, the accompanying violin is always present. They are the most extraordinary documents, because on the one hand, they are the letters home to his family where he maintains this angelic reverence; and then there are his diaries where he speaks his feelings and his mind, which are of course terrifying.

The juxtaposition of course with Brandauer, who is such a great actor, is that we do performances together where he will read and I will play, and the emotions within the letters and the diaries, I try to match in the music that I play.

We have music and text, and we try to bring these genres together. There are moments where I will improvise to his voice, as his voice has the most amazing colours, and then there are moments of pure music and pure text. I think any musician can learn an enormous amount from a great actor through the way they deliver a phrase, and he really manipulates his voice in the most extraordinary way. We usually meet four or five times a year to do one or two projects.

I admire him enormously and he was one of the first great actors I worked with, and the first one to try new forms of presentation and trying to find a hybrid. Carnegie came to me about a year ago and asked me to come up with something, whatever I wanted, as long as it was big.

So the first person I called was my dad, and I told him it was time we did something together. He came back and told me there was someone he wanted to write about, and that was Nat Nakaza. He was one of the great literary voices of the 60s. He was with Drum magazine, and was forced out of this country and went to New York, but he became disillusioned with America and killed himself. I went to Carnegie Hall, they loved it.

All of this based on Nat Nakaza. Carnegie took it like a shot, so I called Andrew Tracey and asked him to be a musical guide, as I needed help to get the sounds of that time. The second actor is a fantastic young Afrikaans actor named Christiaan Schoombie and he will be the counterpart, almost like the devil quality.

We have a wonderful theatre producer, Mannie Manim, and it will be played in Bloemfontein on the 13th and 14th of October this year, and the Carnegie Hall performance will be the 28th of October.

I believe Nakaza is not as well known as he should be, perhaps even forgotten about, and yet his wit, energy, rhythm and take on life and apartheid was so singular.

His humour and his restraint, was yet so biting. We have an excellent director, Jerry Mofokeng, and one of his main gigs is at the theatre in Bloemfontein. Tom Morris, who also did War Horse, is very interested in taking it. Is that something you feel, that you need different outlets other than playing the violin? Yes I do, and we were raised that way by my father, to always have an opinion. He encouraged us to write, and I started at the age of 14 or 15 writing for school papers , and I quickly realised writing was an extension of music for me.

When I made my first few CDs I interviewed the composers and wrote the booklet text, which at the time was very unusual. This all led to what I do now, I am now writing my fourth book, which is about composers who fled Europe and went to Hollywood. Yes it was me. My father took teaching jobs to make ends meet, but we ran out of money. My mother had trained as a secretary in SA, and she went to an agency who had two job offers, one being the secretary to Yehudi Menuhin.

It was meant to be just for six months but six months became 26 years, and so in a split second our lives changed. Then when I was about 15, Menuhin took an interest as he realised I was actually serious about this. Mit unserem Redaktionsmitglied Hans Lüttmann sprach er darüber. Was bedeutet das nun für einen Violinisten? Dass er es wie kaum ein anderes Stück in- und auswendig kennt, ja, dass es sich sozusagen in sein Gehirn eingebrannt hat.

Ich selber spiele es seit meinem achten Lebensjahr. Und eben hier im Bagno bei der Zugabe, wo wir das original Vivaldi-Presto aus dem Sommer gespielt haben, puh, da hatte ich echte Probleme, nicht wieder in die Richter-Komposition zu rutschen.

Als Max Richter Sie gefragt hat, ob Sie seine recomposed, also neu komponierte Fassung aufnehmen wollten, was bedeutete das? Vor allem ganz viel üben. Was Richter da komponiert hat, ist zwar annähernd 90 Prozent Richter, aber oft liegt seine Komposition doch nur einen Hauch neben dem Original.

Eröffnet so ein Stück modern interpretierter Klassik eigentlich auch jungen Leuten den Zugang zu einer Musik, die sie oft als altbacken und verstaubt abtun? Oh ja, wenn ich an eines unserer Konzerte neulich in London denke, da waren viele , und Jährige, die diesen Vivaldi total toll fanden.

Man muss dazu auch wissen, das Max Richter in England sehr populär ist. Anders ist doch sicher auch dieser kleine Saal, der gerade mal Zuhörern Platz bietet? Aber das macht überhaupt keinen Unterschied; ich liebe diese kleinen Säle. Etwas Besonderes klemmt da ja auch auf Ihrem Notenständer, ein Heft ist es nicht. Nein, das ist ein iPad. Eine wirklich tolle Sache, eine App für zweifünfzig, aber da stecken ganze Partituren drin. Schwerin — Stargeiger Daniel Hope ist unter die Filmemacher gegangen.

Wieder eine neue Rolle für den Jährigen. Sein Publikum kennt ihn als herausragenden Interpreten klassischer wie neuer Musik, ferner als Buchautor, Moderator und Festival-Organisator. Die beiden sind Musiker. Dort war Schumann als junger Mann interniert, ehe er nach Auschwitz deportiert wurde. Hope arbeitet zudem an einem neuen Buch, das nächstes Jahr erscheinen soll.

Jetzt recherchiert Hope über Komponisten, die in den er Jahren vor den Nazis flohen und in Hollywood landeten. Mehr soll noch nicht verraten werden. Dafür gibt er anderes auf. Der bestens vernetzte Musiker hatte seinerzeit den Auftrag erhalten, das Klassikfestival internationaler zu machen.

Wunderbare Freundschaften seien entstanden. Als Violinist bleibt Hope den Festspielen erhalten, versichert er. Sein Publikum würde ihn auch schmerzlich vermissen, man kennt sich seit 15 Jahren. Eine Saison ohne den charmanten Rotschopf mit der immer höher werdenden Stirn ist für viele schlichtweg undenkbar. Seit er seinen Abschied aus der Führungsriege der Festspiele verkündete, habe er jeden Monat ein Angebot bekommen, ein neues Festival zu gründen oder eines zu übernehmen, erzählt Hope.

Er hat sie aber alle ausgeschlagen. Das liegt einerseits an den vielen neuen musikalischen Projekten, die er vorhat. Andererseits wartet im Herbst eine Rolle auf ihn, die den Musiker, Organisator und Weltmann ganz neu herausfordern wird: Daniel Hope gehört zu den wichtigen Namen der klassischen Musik. Nicht nur, weil er ein hervorragender Geiger ist, sondern auch, weil er ein charismatischer Botschafter seines Genres ist. Denn die Kommunikation mit den Hörern ist für ihn ein ganz wichtiger Teil seiner Arbeit.

Egal ob im Internet, in Interviews oder während seiner Konzerte. Der antiken Vorstellung also, dass Himmelskörper bei ihren Bewegungen Töne produzieren, die einen für den Menschen unhörbaren harmonischen Gleichklang bilden. Was haben Sie denn damit gemeint? Ich wurde damals gefragt, was der Unterschied zwischen Pop- und klassischer Musik ist.

Und da habe ich, vielleicht etwas voreilig, die beiden mit Champagner und Rotwein verglichen. Bei einem tollen Rotwein ist es so, dass es manchmal sehr viel Zeit braucht, bis er schmeckt, bis man versteht, wie komplex er ist. Und wenn man einen wirklich ausgezeichneten Tropfen zu sich nimmt, dann kann es sein, dass man sich noch Jahre später genau an den Geschmack erinnert.

Was ist Ihnen eigentlich lieber? Ein gutes klassisches Konzert oder eine gute Flasche Rotwein zusammen mit Freunden? Das ist wirklich schwierig. Natürlich ist die Musik für mich das Wichtigste. Aber Musik ohne Freundschaft und ohne eine gewisse Liebe ist auch unvorstellbar für mich. Dazu gehört es für mich auch, einen tollen Tropfen Wein zu verkosten. Aber selbst der beste Wein der Welt wäre nichts ohne Musik.

Von daher ist für mich immer Musik an erster Stelle. Das mache ich wirklich wahnsinnig gerne. Nicht so oft, weil ich kaum zu Hause bin. Wenn ich aber tatsächlich mal den Luxus habe, daheim zu sein, dann gibt es für mich nichts Schöneres, als diese alten Aufnahmen. Insbesondere die ganz alten Geiger vom Anfang des Jahrhunderts — und dabei einen wunderbaren Tropfen. Erinnern Sie sich an die letzte CD, die Sie gehört haben?

Ich muss sagen ich bin etwas faul und auf MP3 umgestiegen, weil es so einfacher ist, meine gesamte Plattensammlung abzurufen, die Tausende CDs und Platten beinhaltet. Also das sind für mich die Sternstunden. Auf meinem Player ist einfach alles zu finden.

Und natürlich auch Oldies. Wirklich bunt gemischt eben. Gibt es auch aktuelle Popmusik, die Ihnen gefällt? Also es gibt einen sehr interessanten Künstler, den ich relativ oft höre: Der macht eine Art von Popmusik, die ich interessant finde. Das bedeutet, er hat etwas zu sagen. Es ist nicht dieser massenproduzierte Pop, sondern bei ihm sind wirklich sehr viele Gedanken dahinter. Die Texte sind witzig, spritzig und er malt in musikalischen Farben, die mein Ohr aufhorchen lassen. Aus diesem Grund muss ich sagen, dass ich mehr Affinität zu den älteren Popmusikern habe, wie zum Beispiel Prince oder teilweise auch Sting, das ist die Art von Melodien, von Musikaufbau, der mir mehr zusagt als etwas, bei dem es einfach nur um Rhythmus und Klang geht.

Warum gibt es das in den jungen Generationen nicht mehr? Also beispielsweise ein Bob Dylan, der seiner Zeit einfach aus der Seele gesprochen hat, der fehlt heute. Manchmal, bei Künstlern wie Lady Gaga zum Beispiel, entdecke ich noch Seiten, die ich tatsächlich sehr spannend finde.

Aber das meiste ist einfach im Studio so glattgebügelt, von der Stimme bis hin zur Instrumentierung, dass es mein Gehirn sozusagen völlig kalt lässt, und bei dieser Musik muss ich einfach sofort wegschalten, das kann ich nicht ertragen….

Und damit ich dann nicht direkt einen Unfall baue, wechsle ich doch lieber den Sender. Sie sprechen viel von Ihrer Liebe zur Musik. Wie definieren Sie eigentlich ihre Rolle als Musiker? Es geht mir darum , die Musik dieser gigantischen Komponisten weiterzugeben, ihre Gedanken für das Publikum zu übersetzen.

Und dabei einfach zu wissen, dass wir als Interpreten ganz klein gegen einen Mozart oder einen Beethoven sind. Aus diesem Grund ist es extrem gefährlich, sich als Interpret zu ernst zu nehmen. Wir haben eine Rolle und wir haben eine eigene Persönlichkeit, das muss natürlich rüber kommen. Aber das ist nicht das Ziel. Das Ziel ist, diese Musik lebendig zu machen. Ist das klassische Konzert, bei dem ein Musiker im Mittelpunkt steht, dann überhaupt die richtige Form, um Musik zu vermitteln? Man muss die Leute erst einmal in den Saal locken und dort muss man sie dann abholen, sie ein bisschen bei der Hand nehmen.

Ich tue das, indem ich meistens ein Programm gestalte, von dem ich das Gefühl habe, dass es eine Geschichte erzählt. Bei Konzerten erzähle ich manchmal etwas über die Stücke, bevor oder während ich sie spiele. Damit das Publikum merkt, dass da mehr dahinter ist, als nur die Musik. Das Publikum wird meines Erachtens nach viel zu oft unterschätzt und man müsste ihm manchmal mehr bieten, als wir es tun. Was den Publikumskontakt angeht, gehören Sie zu den besonders aktiven klassischen Musikern.

Das ist ein schwieriges Thema. Ich verstehe meine sehr geschätzten Kollegen, die sagen: Ich spüre Musik anders, ich möchte sie spielen und nicht darüber sprechen. Trotzdem es gibt Künstler, die das wirklich toll können, und ich finde, dass die, die bereit sind diesen Weg zu gehen, noch viel aktiver und energischer sein müssten.

Weil man einfach sieht, was für eine Resonanz und was für ein enormer Austausch da stattfindet. Wie könnte man denn mehr Künstler dazu bringen? Ich finde, man müsste jungen Künstlern von vorneherein beibringen, wie man mit dem Publikum kommuniziert.

Ob sie das dann einsetzen, ist deren Sache. Aber sie sollten wissen, welche Möglichkeiten es gibt. Da geht es nicht nur darum, zu moderieren oder zu sprechen, sondern auch, Konzertserien zu planen oder ein kleines Festival zu gründen. Oder einfach mal über Programmierung nachzudenken. Wenn sie zurückgehen ins Was die für Programme konzipiert haben, ist der Wahnsinn.

Heutzutage sind wir weit davon entfernt, so erfinderisch zu sein wie diese Künstler damals. Natürlich muss das Technische dabei immer an erster Stelle bleiben.

Sie selbst überraschen ständig mit neuen Projekten. Sind Sie eigentlich ein Mensch, der schnell das Interesse an alten Dingen verliert, oder haben Sie einfach eine unstillbare kindliche Neugier?

Ich sage immer, ich leide an einer Überdosis kreativer Ideen. Mein Problem ist, dass ich überall Dinge finde, die mich neugierig machen. Und das geht eigentlich immer über meine Ohren. Ich höre etwas und dann entstehen Ideen, Projekte, Konzepte in meinem Kopf, und wenn ich mich ihnen widme, dann entsteht nicht nur ein Konzert, sondern ein ganzes Programm, ein Projekt.

Manchmal trage ich diese Ideen jahrelang mit mir herum. Können Sie ein Beispiel nennen? Das Spheres-Projekt hatte ich im Kopf, seit ich acht oder neun bin. Trotzdem habe ich über 25 Jahre darüber nachgedacht, bis ich irgendwann eine BBC-Radiosendung gehört habe, in der Wissenschaftler darüber gestritten haben, ob es dieses Phänomen überhaupt gibt und wenn ja, wie man es beweisen könnte. Und plötzlich hatte ich die Idee, Stücke zusammenzubauen, die einen sozusagen anderswohin transportieren.

Sie sehen, ich verliere das Interesse nicht schnell, ganz im Gegenteil. Es dauert manchmal wahnsinnig lange — und dann lasse ich nicht mehr los. Wie war das denn damals in der Schule mit Ihrem kreativen Überschuss? Das war ein Desaster für mich! Ich habe die Lehrer, meine Freunde und meine Eltern in den absoluten Wahnsinn getrieben. Ich wollte immer alles sofort wissen und verstehen.

Und so bin ich noch heute. Wenn ich merke, ich kann etwas nicht wirklich gut, dann lasse ich es lieber. Das ist mir geblieben: Hat sich Ihr Verhalten in der musikalischen Ausbildung geändert? Das war sehr interessant. Als ich angefangen habe, richtig Geige zu lernen, habe ich gemerkt, wie weit ich von anderen Geigern in meinem Alter entfernt war.

Ich habe verstanden, dass ich richtig hart arbeiten muss, um auf dieses Niveau zu kommen. Das war eine komplette Umstellung meiner Gedanken, und das war gut so. Weil mich das zurück auf den Teppich gebracht hat, den Teppich der Realität.

An dem ich bis heute klebe. Wie lange üben Sie denn am Tag? Wenn ich die Chance habe, sechs Stunden. Und wenn ich das nicht schaffe, was natürlich beim Reisen sehr oft passiert, dann sind es mindestens vier Stunden. Aber ohne das ist es einfach nicht machbar, ein Berg-Violinkonzert, ein Strawinski-Violinkonzert oder einen Schostakowitsch zu bringen.

Auf der Geige wird dir kein einziger falscher Ton verziehen. Dann steht es gleich in den Zeitungen und ist am nächsten Tag bei Youtube zu sehen und wird kommentiert von Menschen, die auf einmal die besten Kritiker sind.

Sie sind also jemand, der sehr hart und intensiv arbeitet. Wie war das bei Ihrem aktuellen Album? Ich habe mich an den Computer gesetzt und angefangen zu recherchieren.

Welche Stücke könnte man für eine sphärische CD verwenden? Schnell hatte ich ungefähr zusammen und mir war klar, dass das niemals auf eine CD passt. Also habe ich alles verworfen und mir einen neuen Ansatz überlegt. Ich habe darüber nachgedacht, ob es möglich wäre, in relativer kurzer Zeit Komponisten zu beauftragen, etwas zu schreiben. Dann habe ich mich hingesetzt, mir Komponisten angehört und die ersten Anfragen gestartet. Und plötzlich war da die Idee einer Reise mit kürzeren Stücke, Mosaiksteinchen quasi.

Das ist natürlich immer eine ganz persönliche Idee. Es mag Leute geben, die sagen, das alles hat mit Sphärenmusik nichts zu tun. Für mich hat es das. Was war für Sie besonders wichtig bei der Konzeption des Albums? Wie ein Stück ins andere übergeht, wie die Tonart ist, wie es sich verändert.

Ich versuche, den Hörer dazu zu bringen, dass er auf diese Reise mitgeht. So habe ich alles über lange, lange Zeit immer wieder zusammengepuzzelt. Haben Sie aus der Beschäftigung mit diesem Thema auch eine persönliche Erkenntnis gezogen? Der Kern dieses ganzen Prinzips ist für mich folgender: Was Musik ist, kann man nicht messen, nicht beschreiben. Die Emotionen, die sie aus den Leuten herauskitzelt. Dennoch, so die mathematische Aussage, ist die Schwingung berechenbar. Dieser Gegensatz fasziniert mich.

Und er zeigt mir, dass die Musik über allem steht. Wie ist es zu dieser Zusammenarbeit gekommen? Ich bin schon vor einiger Zeit auf dieses Orchester aufmerksam geworden, weil die Programme, die es gemacht hat, in meinen Augen sehr spannend waren.

Und ich habe nach einem Orchester gesucht, das Zeit und Lust hätte, das Projekt zu machen. Dann haben wir das zusammen geprobt und im März in München zum ersten Mal gespielt. Und daraus ist die Idee einer weiteren Aufführung gekommen. Wie würden Sie das Orchester beschreiben? Ich finde, der Zugang zum Repertoire ist etwas, was das Orchester ausmacht.

Der Chefdirigent Daniel Grossmann macht das in meinen Augen sehr gut, indem er verschiedene Musikepochen miteinander kombiniert und natürlich auch indem er das Repertoire mit dem Jüdischen verbindet. Solche Kammerorchester mag ich einfach gerne, mit denen man offen kommunizieren kann. Haben Sie eigentlich schon einmal in der Stadthalle Germering gespielt? Es ist immer schön, nach so langer Zeit — ich stehe seit 25 Jahren auf der Bühne — noch eine neue Stadt entdecken zu dürfen, eine neue Halle, ein neues Publikum.

Es gefällt mir, dass ich mit 40 Jahren sozusagen noch mein Debüt geben kann. Aber bestimmt haben Sie sich schon umgehört, wie die Akustik ist. Ich habe tatsächlich schon seit langem immer wieder von diesem Saal gehört.

Die Leute haben ihn mir sehr ans Herz gelegt, nur leider hatte ich bisher noch nicht die Gelegenheit dort zu spielen. Deswegen freue ich mich sehr auf das Konzert. On joue tous ensemble. On communique beaucoup avec les yeux, mais surtout avec les oreilles. Daniel Hope ist ein begnadeter Violinist mit missionarischem Eifer: Als Musiker, Autor und auch als künstlerischer Leiter der Festspiele Mecklenburg-Vorpommern setzt er sich dafür ein, den Menschen die klassische Musik näherzubringen.

Entretien Daniel Hope est le violoniste du moment. Le violoniste Daniel Hope est le musicien du moment. Et il inspirera quasiment tous les grands concertos: Bruch ouvre un grand champ de vision.

Je trouve cela fascinant. Ce fut un superbe travail. Wie klingt der Tell us how you first became involved in the festival. Was the decision to take on the role an easy one? But the festival did want me to have a musical presence as well as a programming one. How did you go about choosing the music for that concert? It was quite a challenge because something like that demands music which is solemn, but at the same time the choice of music needed to have some kind of significance.

The Rabbi of the province, a man called William Wolffe, will be speaking at the concert as well. What about the future? Wie kann Musik auf so ein Ereignis reagieren?

Die Musiker werden auch berichten, wie sie den Tag damals erlebt haben und was er für sie bedeutet. Ich denke aber, dass der stärkere Eindruck von der Musik kommen wird.

Denn so bewegend viele Reden sein werden: Ich habe es oft erlebt, dass in dem Moment, in dem die Musik anfängt, alles andere in den Hintergrund tritt. Musik hat mehr Kraft als das gesprochene Wort.

So war es beispielsweise, als ich ein Konzert in Dachau für Überlebende des Konzentrationslagers gespielt habe. Erst als wir gespielt haben, kamen die Emotionen der Menschen richtig hoch. Musik trifft einen direkt, unabhängig davon, was gesagt wird. Die Katastrophen des Die Musik hat sich nach dem Krieg radikal verändert.

Ich denke, dass dieser Schock, der noch immer so tief sitzt, die Psyche nicht nur der Amerikaner verändert hat. Und was die Psyche verändert, verändert auch die Kunst. Ob man hier aber schon jetzt direkte Verbindungen zum Aber wenn man als Kind etwas Schreckliches erlebt, hat das oft gravierende Folgen: Den Werken der Musiker, die in den kommenden 20 Jahren Sinfonien schreiben, wird man das anhören.

Sie haben oft musikalische Projekte zu historischen Tragödien initiiert. Glauben Sie, dass Musik eine Art therapeutische Wirkung haben kann? Es geht nicht nur um Schockerlebnisse. Ich versuche auch, die historische Erinnerung wachzuhalten. Sei es die Reichspogromnacht oder die Musik von Theresienstadt — es geht darum, Stimmen von Komponisten und Menschen erklingen zu lassen, die umgekommen sind.

Fast die gesamte tschechische Musikwelt ist ja damals ausgelöscht worden. Und das hat für die Musikgeschichte entscheidende Folgen gehabt. Wir haben auf der einen Seite Webern und Schönberg, die einen fundamentalen Richtungswechsel eingeschlagen haben.

Das ist zumindest mein Gefühl. Wenn ich mir überlege, was allein aus Klein hätte werden können, der mit Anfang 20 umgekommen ist, dann bin ich sicher, dass wir eine parallele tonale zeitgenössische Musikentwicklung hätten.

Viele Komponisten kommen jetzt im Jahrhundert zurück zur Tonalität. Das war tatsächlich lange der Fall, aber wenn ich jetzt die wirklich jungen europäischen Komponisten beobachte, dann sehe ich auch dort einen Hang zur Tonalität. Ich finde es faszinierend, dass es gerade jetzt passiert. Es ist eine spannende Zeit. Das klingt sehr optimistisch: Ich denke, es gibt immer noch sehr, sehr viele Menschen, die klassische Musik hören wollen.

Man muss sie aber so zugänglich machen, damit jemand, der noch keinen Zugang zur Klassik hat, es versteht. Dabei darf man aber niemals auf höchste Qualität verzichten.

Man muss dort beginnen, wo man etwas verändern kann. Es ist schon ein Anfang, wenn ein Lehrer mit seiner Schulklasse singt, wenn ein Laienchor eine eigene kleine Serie in der Kirche veranstaltet und so weiter.

Es geht um die eigene Initiative. Ich habe aber überhaupt keine Zweifel, dass sich die klassische Musik halten wird, das hat sie schon länger als Jahre getan. Man braucht jetzt trotzdem Menschen mit Ideen, die dieses Erbe weitergeben. Sie selbst haben genug Ideen. Ein Projekt beschäftigt sich etwa mit dem Geiger Joseph Joachim.

Der hat lange in Hannover gewirkt…. Als er dort ankam, hatte er gerade in Weimar mit Liszt gebrochen. Die Musikwelt war danach eine andere: Aus diesem Grund gibt es kein Violinkonzert von Liszt und keins von Wagner. In seinen Hannover-Jahren hat Joachim auch angefangen, selbst zu komponieren. Deshalb verbinde ich Hannover und Joachim sehr stark miteinander — die Stadt hat ihn beflügelt.

Daniel Hope wurde im südafrikanischen Durban geboren und ist einer der führenden Geiger seiner Generation. Er gehörte zum legendären Beaux Arts Trio und wurde für seine Einspielungen bislang viermal mit dem Klassik-Echo ausgezeichnet. September in Schwerin zu erleben. Nun kommt er mit einem Barock-Programm ins Prinzregententheater.

Begleitet wird er vom Zürcher Kammerorchester…. Warum das in einer digitalen Welt wichtig ist und wie cool Bach ist, erzählt er im Interview.

Die etwas andere Musikgeschichte beschreiben Sie sehr einfühlsam Ihr Instrument. Was fasziniert Sie an der Geige? Der singende Klang, der einer menschlichen Stimme sehr nahe kommt. Er kann mich beruhigen und im nächsten Moment aufrütteln. Als Musiker kann ich mit der Geige genau das ausdrücken, was ich fühle. Die Vielfalt und die Brillanz des Klangs haben mich immer fasziniert. Als Sie ihr erstes Instrument bekamen, waren Sie wahrscheinlich nicht mehr zu bremsen. Mein Enthusiasmus war riesig, allerdings muss es am Anfang grauenvoll geklungen haben.

Bis man einen Ton richtig spielen kann, vergehen oft Monate. Zu meinem ersten Unterricht fällt mir eine kleine Anekdote ein. Die Lehrerin wollte mich eigentlich noch nicht als Schüler annehmen, weil ich zu jung war. Da hatte ich bei ihr aber schon all die kleinen Geigen an der Wand gesehen und bekam augenblicklich einen Wutanfall.

Ich habe einfach drauflosgespielt. In dem Moment hatte ich das erreicht, was ich wollte. Sie engagieren sich auch für Initiativen, die möglichst viele Menschen an Musik heranführen wollen. Was hat Sie besonders dazu motiviert? Konzerte für Kinder sind für mich das Allerschönste. Wir holen sie auch auf die Bühne, wo sie bei Proben mitdirigieren können und mitten unter den Musikern sitzen.

Sie erleben also unmittelbar, wie es sich anfühlt, Teil eines Orchesters zu sein. Man sieht ihnen die Begeisterung an, das finde ich fantastisch. Wir Künstler müssen auf eine verständliche Art vermitteln können, was das Besondere an Musik ist. Kinder bewegen sich oft spontan zu klassischer Musik, während Erwachsene im Konzert still sitzen. In früheren Zeiten war das anders.

Denken Sie nur an die Barockzeit, da wurde oft zu Musik getanzt. Die Geige wurde früher auf Volksfesten gespielt und galt sogar als subversives Instrument. Erst seit etwa Jahren wird uns erklärt, dass wir in Konzerten ruhig und andächtig sein müssen. Sie empfinden eine Gigue von Bach als sehr lebendig.

Was hat Ihrer Ansicht nach dazu geführt, dass sich unsere Gesellschaft so weit von klassischer Musik entfernt hat? Musik ist in unserem Alltag durch neue Technologien ständig verfügbar. Wie hat das unser Hören verändert? Ich glaube, wir können uns allgemein nicht mehr so gut konzentrieren wie früher. Das wirkt sich nicht nur auf unser Hören aus. Wenn wir in ein klassisches Konzert gehen und uns ganz auf die Musik einlassen, können wir endlich einmal abschalten von einer Welt, die pausenlos online ist.

Ein Streichquartett von Beethoven gibt uns die Chance, unseren Alltag vorübergehend zu verlassen und frei zu atmen. Ingolstadt — Er ist beinahe so leger gekleidet wie seine jungen Zuhörer. Hope soll den Azubis klassische Musik näher bringen. Manche erlernen einen IT-Beruf, einige studieren an der Fachhochschule. Der jährige Lothar Bauer hätte an diesem Mittag normalerweise Stromlaufpläne erstellt, erzählt er. Anne Satzke, ebenfalls 20, hätte eine Klimaanlage reparieren müssen. Stattdessen ist Musik angesagt.

Hope spielt zur Einstimmung eine Bach-Suite auf seiner Geige. Bach habe so viel komponiert, dass man Jahre brauchen würde, um alle Stücke abzuschreiben, sagt der Violinist. Und nebenbei habe er auch noch 13 Kinder gezeugt.

Hope hat das Eis schon nach wenigen Minuten gebrochen. Er spiele auch andere Musik, sagt er und stimmt ein indisches Stück von Ravi Shankar an. Lothar Bauer schaut gebannt auf die Finger des Musikers, die anders als bei der getragenen Bach-Suite raue, wilde Klänge erzeugen. Nur blieben die meisten Künstler eben One-Hit-Wonder. Generell sei er der Popmusik gegenüber sehr offen.

Viele klassische Künstler hätten Angst vor Pop, weil sie sich nicht damit auseinandersetzten. Das sei schade, denn die Klassik könne vom Pop viel lernen. Hope spricht mit leichtem englischen Akzent. Er wurde in Südafrika geboren, wuchs in London auf und lebt heute in Hamburg. Die Fragen der Azubis beantwortet der Musiker mit den rötlichen Haaren und der hohen, schon etwas kahlen Stirn sehr humorvoll. Er sucht den Kontakt zu jungen Menschen. Jemand fragt, wie er den Unterschied zwischen Pop und Klassik sehe.

Wie Champagner und Rotwein, antwortet Hope. Aber am nächsten Tag erinnert man sich nicht mehr an viel. Einige von ihnen spielen jedoch ein Instrument oder besuchen zumindest an Weihnachten ein klassisches Konzert, erzählen sie. Die Fragen an Hope gehen den jungen Leuten während einer vollen Stunde nicht aus. Sie wollen ganz genau wissen, was im Kopf des Geigers vorgeht. Etwa ob er sich beim Improvisieren wirklich jedes Mal etwas Neues einfallen lasse. Der Musiker ist dafür bekannt, immer wieder in andere Stilrichtungen einzutauchen.

Klassik sei für junge Leute wichtig, sagt Hope. Wenn man erst einmal voll im Berufsleben mit all dem Stress stecke, sei das schwieriger.

Den Austausch mit dem jungen Publikum findet Hope auch für sich interessant. So könne er direkt erfahren, wie seine Musik bei den Hörern ankommt.

Auch wenn sie sich nicht zum ersten Mal mit Klassik befasst haben — so persönlich haben die Azubis einen Klassikstar noch nie kennengelernt. Hope hat an diesem Tag viele neue, junge Fans gewonnen. Für einen normalen Opern- oder Konzertbesuch gibt es keinen bestimmten Dresscode. Viele Besucher machen sich aber fein: Kleid oder Kostüm für die Dame, Anzug für den Herren.

Wenn möglich, sollte man die Stücke, die aufgeführt werden, vorher von einer CD gehört haben, um einen Eindruck von der Musik zu haben. Informationen über den Komponisten gibt es oft in beigefügten Booklets. Es macht Sinn, sich vor Oper oder Konzert anzusehen, wer der Komponist war, was für ein Typ, wie er lebte, welche Probleme er hatte.

Rechtzeitig losfahren, eine halbe Stunde im Theater einplanen, um einen Blick ins Programmheft zu werfen. Auch darin gibt es viele Informationen zum Stück. Das kommt darauf an, wen man sehen möchte: Will man Geiger oder Klavierspieler direkt vor sich haben, empfiehlt sich ein Platz auf der linken Parkettseite. Auf den Mittelplätzen im vorderen Parkett und im ersten Rang hat man ungehinderte Sicht auf die Bühne und meist auch das optimale Klangerlebnis.

Aber natürlich zahlt man dafür auch die höchsten Preise. Essen und trinken während der Vorstellung sind tabu! Früher wurde im Publikum fröhlich getrunken, geraucht oder sogar geplaudert wurde — aber das ist vorbei. Husten stört Publikum und Musiker. Wenn Sie stark husten müssen, verlassen Sie besser den Saal. Ein Hustenbonbon sicherheitshalber in der Tasche zu haben — aber ohne knisterndes Papier. Wer stark erkältet ist, sollte den Konzert- oder Opernbesuch besser verschieben.

Sie lenken und steuern das Orchester und die Sänger, geben Einsätze und Signale, regeln Tempo und Balance, treiben an und dämpfen. Der Dirigent ist wie ein Kapitän, der den Kurs des Schiffes festlegt und während der Fahrt die einzelnen Manöver bestimmt.

Weite Bewegungen verlangen einen lauten Ton, kleine einen leisen. Die linke Hand ist mehr fürs Modellieren zuständig, liefert Anweisungen zur Intensität des Ausdrucks. Eine alte Streitfrage, auf die es keine einheitliche Antwort gibt: Über das Klatschen zwischen einzelnen Sätzen oder nach einer Arie gehen die Meinungen auseinander. Viele Musiker freuen sich, wenn sie auch zwischendurch anerkennenden Beifall erhalten; manche Zuhörer fühlen sich dadurch allerdings gestört.

Wenn Sie sichergehen möchten, nicht durch alleiniges Klatschen aufzufallen, dann klatschen Sie am besten am Ende — und dafür laut und lange. Das Publikum in südlichen Ländern, vor allem in den Opernhäusern, hat da keine Hemmungen. Aber unter Künstlern gilt: Wer sich über spontanen Szenenapplaus freut, der muss auch das Gegenteil akzeptieren.

Daniel Hope liebt klassische Musik. Und da er möchte, dass es möglichst vielen Menschen ebenso geht, hat der berühmte Geiger einen Wegweise für Konzertgänger geschrieben, in dem auch Fragen geklärt werden wie ….

Daniel Hope ist einer der viel versprechendsten Geiger seiner Generation. Heute gastiert er in Hamburg. Geigenvirtuosen drehen dem Publikum nie den Rücken zu.

Das Ensemble musizierte im Stehen, ohne Dirigent. Erst drei Minuten später drehte er sich um und begann mit den Solo-Oktaven. Zart und fest, fahl und farbenfroh wechselt sein Ton von leise zu laut, von stark timbriert zu inbrünstig zitternd. Er kann geigend Katastrophen erzeugen und delikate Erlösungen, Wohlklang und Wahrheit. Nach Ende des ersten Satzes platzte — offenbar wird bei Daniel Hope auch dem Publikum immer ganz unnormal — begeisterter Beifall in die Stille.

Mit vier begann er Violine zu spielen. Seitdem gilt er hier zu Lande als Menuhins Meisterschüler. Meine ersten Erinnerungen an Musik verbinde ich also mit ihm. Der Beginn einer wunderbaren Zusammenarbeit: Hope war der Solist. Der alte Mann dirigierte.

Es gab fünf oder sechs solcher Löwen. Heute ist der Markt randvoll mit ehrgeizig-perfekten Virtuosen. Werden die Platten- Labels bleiben oder wird alles übers Internet laufen? Übers Internet informiert er sich auch in Minuten über Werke, die ihn interessieren.

Ich muss einen persönlichen Bezug haben zu den Sachen, die ich spiele, muss sie lieben, das hört man dann. Er hat darum schon den alten Menuhin dazu bewogen, mit ihm zwar auch Konventionelles wie Mendelssohn, Tschaikowsky oder Brahms zu spielen.

Daniel Hope hat bei all seiner wunderbaren Unnormalität nichts Messianisches. Statt mit den für Geiger obligatorischen täglichen Dehnübungen lockert er seinen Bogenarm mit Badminton, Squash oder Tennis: Und ergo verbringt er von den monatlich vier Tagen, die er nicht irgendwo in der Welt konzertiert, zwei an der Themse und zwei in der Hansestadt.

Sein Deutsch ist perfekt. Hope besitzt allerdings bis heute einen irischen Pass, da sein Vater aus Irland stammt. Als einer der viel versprechendsten Geiger seiner Generation nimmt er sich vorwiegend ungewöhnlichen Repertoires und neuer Präsentationsformen an. Herr Hope, Sie wollen die Klassik populär machen. Das habe ich auch einmal gedacht. Inzwischen glaube ich aber, dass die Wurzel der Musik im Folk liegt.

Na ja, die Klassik hat sich auch aus der Folkmusik heraus entwickelt. Das beste Beispiel ist die Geige: Vor vielen hundert Jahren galt sie noch als Teufelsinstrument und animierte die Menschen zum wilden Tanz.

Letztlich hat Sting aber recht: Jede Musik greift auf die Folkmusik zurück. Auf eine Musik, die von Menschen für Menschen gemacht wurde.

Ihre Aufgabe war die Direktheit der Emotion. Direktheit würde man heute allerdings eher der Popmusik zuordnen. Klassik dagegen windet sich in Tiefen, um einer übergeordneten Wahrheit auf den Grund zu kommen, oder? Sie stellen die Frage nach der Authentizität der Musik.

Ich glaube, dass es in unserer postmodernen Welt ein grundsätzliches Problem jeder Kunst ist, authentisch zu sein. Was ist schon wahr? Alles hat einen doppelten Boden. Und ich gelange allmählich zu der Überzeugung, dass nichts mehr authentisch ist — auch nicht die Musik. Da würde ich widersprechen. Ich habe mein ganzes Leben mit der Klassik verbracht — und meine Erfahrung ist, dass sie mich noch immer tief berührt. Für mich ist die Musik in einer Zeit, in der so vieles Schein ist, eine letzte Konstante von Authentizität.

Sowohl der Pop als auch die Klassik können uns ein Gefühl von dem geben, was sich jenseits der Dinglichkeit abspielt. Die Wahrhaftigkeit deiner Musik liegt für mich in deinem Umgang mit Rhythmus. Tatsächlich ist der Rhythmus für mich eine Frage der Ambivalenz. Sie stellt die Wahrheit unserer Gegenwart in Frage.

Das Gehirn lässt sich auf eine Komposition ein, und in dem Moment, in dem es sich an einen Rhythmus oder eine Melodie gewöhnt, ist es spannend, in eine ganz andere Richtung zu steuern. Sie meinen den kalkulierten Bruch der Form?

Für die Klassik scheint der Klang immer eine Form zu brauchen, wohingegen der Rock daran arbeitet, bestehende Formen zu sprengen. Der Rock trägt doch nur noch die Kostümierung der Rebellion. In Wahrheit ist er zutiefst konservativ — fast schon reaktionär. Es ist unmöglich, den Rock zu verändern — ich habe das selbst ja immer wieder versucht. Vielleicht ist es ein Problem des Rocks, dass die Revolution in ihm eine Normalität ist.

Die Frage ist, wo geht es hin? Unsere Geschichte ist an einem Punkt der unendlichen Erneuerung angekommen. Wir leben in einer Zeit, in der niemand vorhersagen kann, wie wir in fünf Jahren leben.

Diese Entwicklung kann nur in der Aufwertung des Einzigartigen münden. Aber ich habe keine Idee, was dieses Einzigartige sein könnte. Dann müsste die Klassik in dieser Zeit doch eine willkommene Konstante sein. Das ist sie ja auch. Es ist interessant zu beobachten, dass die Klassik mehr Anhänger gewinnt.

Ich stimme dir vollkommen zu. In einer chaotischen Zeit brauchen wir Fixpunkte. Und die Klassik kann sie uns geben. Ich glaube, dass die Krise des Pops letztlich auch die Krise des Zuhörers ist.

Das ist aber die Harmonik von Kinderliedern. Diese Musik spricht nur einen Teil des Gehirns an. Der Teil, der Missklänge und musikalische Reibungen verarbeitet, bleibt unterentwickelt. Das Problem ist, dass viele Zuhörer durch die Konvention so lange abgestumpft wurden, dass sie komplexe Musik gar nicht mehr wahrnehmen können.

Jazz oder Klassik sind für viele keine Musik mehr, sondern komplizierte akustische Signale, die sie nicht verstehen. Ich sehe es als meine Aufgabe, die Hörfähigkeit meiner Zuhörer und damit die andere Seite ihrer Gehirne zu entwickeln. The issue of sponsorship adds to this problem. Advertising dollars fund most media. Networks aim programming at the largest possible audience because the broader the appeal, the greater the potential purchasing audience and the easier selling air time to advertisers becomes.

Thus, news organizations may shy away from negative stories about corporations especially parent corporations that finance large advertising campaigns in their newspaper or on their stations.

Media watchers identify the same problem at the local level where city newspapers will not give new cars poor reviews or run stories on selling a home without an agent because the majority of their funding comes from auto and real estate advertising. This influence also extends to programming. Critics of this theory counter these arguments by saying that local control of news media largely lies beyond the reach of large corporate offices elsewhere, and that the quality of news depends upon good journalists.

They contend that those less powerful and not in control of media have often received full media coverage and subsequent support. Media language can be revealing, too. Predominantly conservative political issues have yet to gain prominent media attention, or have been opposed by the media. Advocates of this view point to the Strategic Arms Initiative of the s Reagan administration.

The public failed to support it, and the program did not get funding or congressional support. Theorists emphasize that audiences choose what to watch among a wide range of options, choose how much to watch, and may choose the mute button or the VCR remote over the programming selected by the network or cable station. Both groups of researchers find that when people approach material, whether written text or media images and messages, they interpret that material based on their own knowledge and experience.

Thus, when researchers ask different groups to explain the meaning of a particular song or video, the groups produce widely divergent interpretations based on age, gender, race, ethnicity, and religious background. Therefore, culturalist theorists claim that, while a few elite in large corporations may exert significant control over what information media produces and distributes, personal perspective plays a more powerful role in how the audience members interpret those messages.

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